• Naissance sensible de l'art abstrait

    Ou comment peindre la musique...

    L'art abstrait est l'art du sensible. Il décrit l'histoire d'un effacement. Laisser partir quelque chose de visible à l'œil nu pour rendre présent quelque chose qui ne l'est pas.

    Une absence d'abord vers une autre forme d'expérience visuelle : Tout un univers se déploie et s'évase, révélant des choses du dedans. L'espace s'agrandit, des myriades apparaissent, les couleurs jouent des orgues, un rythme endiablé ou des mémoires sans images bercent le regard et l'entraîne.

    La couleur se découvre musicienne.

    Derrière l'art abstrait, il y a une expérience, et une histoire.

    1910. Kandinsky peint la première aquarelle abstraite.

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

    Kandinsky. Aquarelle abstraite. 1910.

     

    L'art abstrait a toujours existé, resté dans les ateliers ou sur les bas reliefs de quelque bâtiment en fond de toile. Dans des ciels parfois. Mais Kandinsky est le premier à l'avoir sorti de l'ombre, réveillant du même coup l'extraordinaire possibilité de travailler dans la spontanéité, la rapidité, à partir du ressenti.

    Kandinsky 1866-1944. L'âme sensible d'un poète et d'un musicien des couleurs. L’un des artistes les plus importants du XXe siècle. Animé d'un profond appel spirituel qu’il appelle la nécessité intérieure, comme principe essentiel de l’art. Kandinsky transforme les sons en couleurs qui le fascinent. Son chœur des couleurs de plus en plus éclatant est chargé de signification cosmique.

    Pour lui, l'abstraction substitue à la figuration et à l’imitation une création pure de nature spirituelle qui ne procède que de la seule nécessité intérieure de l’artiste.

    1911 : Du spirituel dans l’art et dans la peinture en particulier. Ouvrage fondamental, bible de l'art abstrait. Traité de l’effet psychologique des couleurs sur l’âme humaine et de leur sonorité intérieure, définition de la véritable mission de l'art qui est d’ordre spirituel. Kandinsky y révèle le principe de la nécessité intérieure : principe de l’art et fondement de l’harmonie des formes et des couleurs, mais également leur relation : position, composition, disposition sur la toile, harmonie d’ensemble et accord réciproque, des formes souples expriment la vie intérieure.

    A notre tour de regarder l'œuvre avec insistance : certaines sonorités ne se révèleront à nous que progressivement.

     

    Kandinsky. Rose décisif. 1932.

     

    Mondrian 1872 - 1944 : l'artiste des qualités morales. D'abord musicien, (fou de Jazz, ses tableaux s'intitulent parfois : Broadway Boogie-woogie)…

    Influencé par Van Gogh, la théosophie, (seconde moitié du XIXe siècle : elle met en avant l'idée d'un ordre cosmique du monde) les mathématiques et la géométrie. Mondrian est à la recherche d'une peinture spirituelle. Il transcende les images par rapprochement des lumières et du motif (arbre, jetée…) qui finit en décomposition systématique jusqu'à une abstraction radicale. Il devient un des pionniers de l'art abstrait  avec Kandinsky entre autres.

     

     

    Mondrian. Composition. 1921

     

    Je crois qu'il est possible, grâce à des lignes horizontales et verticales construites en pleine conscience, mais sans ‘‘calcul’’, suggérées par une intuition aigüe et nées de l'harmonie et du rythme, que ces formes fondamentales de la beauté, complétées au besoin par d'autres lignes droites ou courbes, puissent produire une œuvre d'art aussi puissante que vraie. Mondrian

     

    Klee 1879 - 1940 : l'ami de Kandinsky. Aussi doué pour la peinture que pour les marionnettes ou la sculpture. L'œuvre de Klee est un havre de délicate tendresse dans un monde de furie meurtrière.

    Lui aussi cherche à lier peinture et musique, en observant les mouvements du chef d'orchestre, le rythme du corps, et il structure le tableau comme une partition musicale.

    Pour Klee, la fonction de l'art est de créer un nouvel ordre cosmique transcendantal, l'art étant une allégorie de la création divine.

     

    Klee m'a fait sentir qu'en toute expression plastique il y a quelque chose de plus que la peinture-peinture, précisément qu'il faut aller au-delà pour atteindre des zones de plus profonde émotion. Miró

     

    Flowers in Stone - Paul Klee

     

    Klee. Flowers in stone. 1939.

     

    Quand l'art abstrait devient sec, c'est qu'il a manqué sa cible. Lorsqu'il se perd en discours, en concept, en explication, en révolution, c'est qu'il est revenu en arrière.

    On dira que je prêche pour mon église. Evidemment.

    Notons qu'en dépit de toutes ses puissances, de toutes ses fulgurances et aujourd'hui de toutes ses promesses tenues, l'art abstrait n'a jamais fait disparaître l'art figuratif. Telle n'était pas sa vocation.

    Mais parfois, lorsque l'expérience intérieure passe au-delà des images, qu'une source se révèle à nous, l'âme du peintre est libre de quitter pour jamais les rivages connus afin de s'enfoncer profondément dans sa propre géographie et de l'explorer en toute liberté. Espérons qu'elle nous en ramènera quelque carte.

     

    Menez vos élèves vers la nature, laissez-les voir comment un bourgeon se forme, comment un arbre grandit (...) La contemplation est une révélation, un aperçu de l'atelier de Dieu. Là bas, dans la nature, repose le mystère de la création. Klee

     

    Klee. Rues principales secondaires. 1929.

     

    Nos explorations absraites.

    La galerie complète des abstractions libres.

     
     


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