Tout a commencé par un petit retour à la perspective.

Rigueur et méthode mais liberté des encres, pour faire d'un exercice un peu rigide une expérience de transparence. 

  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Mais pour quelqu'un qui ne voulait ni des plumes, ni des règles, ni des pinceaux (ce jour là...), nous avons sorti le sac magique, le sac des couleurs toutes faites, le sac des papiers qui réfléchissent pour nous...

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

On aurait pu faire comme Matisse : peindre de grands panneaux de couleurs pour les découper ensuite de multiples façons, ou comme les cubistes qui collaient tout sur n'importe quoi, mais le sac aux merveilles était là (s'enrichissant tous les jours, chacun y amenant quelque chose de chez lui...) et comme dans un bocal de bonbons, impossible de ne pas mettre la main dedans.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Tant et si bien que l'idée a fini par plaire à (presque) tout le monde...

La couleur est déjà là, toute pimpante, la forme peut s'exprimer facilement, les petits papiers inspirent et influencent... On collera plus tard, on a le temps...

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Et l'inspiration que l'on aurait peut-être pas capturée autrement a donné naissance à de jolis essais : motifs audacieux, superpositions, froissés, pliés, déchirés, et d'autres choses piquées ça et là dans l’atelier.

Ce n'est pas sérieux, c'est pour rire, pas de stress, du coup... 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

... La liberté des petits papiers est venue se glisser sous le pinceau

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Finalement pas si éloigné que de ça de nos exercices de perspective, avec un petit quelque chose de géométrique et coloré, elle a trouvé le chemin de l'oeuvre.

 

Ici : toutes nos perspectives, tous nos petits papiers, et toutes nos belles œuvres.

L'article sur le collage en art...

• Le collage ? Pourquoi ? Et pourquoi pas ? Ça nous paraît bête aujourd'hui, mais avant eux, personne n'avait osé.

Braque et Picasso, encore eux ! 

On leur doit les premiers collages en 1912. Attention, pas les "papiers collés", non, ça c'est autre chose ! Il s'agit ici d'éléments du quotidien (la plupart du temps de rebut) détournés au profit de l'art. (Les papiers collés sont constitués de morceaux de toutes sortes de papier auxquels on ajoute de la craie, du fusain, de l'encre, non issus des impressions publicitaires, ni affiches, ni photographie.)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Le collage peut s'avérer précieux pour les artistes : on progresse par étape, par organisation d'éléments (on peut faire et défaire avant fixage en jouant des superpositions, des déchirures, des froissés, on travaille les compositions librement, en y réfléchissant longuement.) La technique du collage ouvre un champ inexploré à l'art et touchera de nombreux courants artistiques.

 

Picasso : Nature morte à la chaise cannée (1912) : Premier vrai collage cubiste élaboré à partir d'éléments rapportés intégrées au tableau peint. Un œil sur son encadrement : une simple corde. On vient d'ouvrir un nouveau territoire de l'art.

 

  

Braque  introduit les écritures imprimées. Et puis - on est encore en pleine révolution industrielle - utilise tous les outils des artisanats ouvriers : techniques du pochoir, peinture faux bois, faux marbre (très prisés en déco) avec ajouts de sable, de sciure, de limaille de fer... Il ne s'agit pas d'imiter l'industriel mais d'introduire de nouvelles possibilités dans un domaine ou les techniques et les matériaux sont très figés et codifiés.

 

C'est le cas pour le mouvement Dada et derrière le surréalisme. Schwitters, Ernst... On se sert de tout, y compris de photographies découpées. Max Ernst utilise des gravures anciennes qui recomposées deviennent des œuvres fantastiques.

 

Max Ernst. Collage. 1920.

Schwitters. 1947. Huile et collage sur carton. Toile agencée de déchets et rebuts. 

 

Derrière Schwitters, Dada et le surréalisme, l'art américain produit ses propres génies. Rauschenberg, qui va inventer le pop art, (mais, selon moi, se placer vraiment au-dessus!) comme ses prédécesseurs, incorpore dans ses œuvres peintes rebuts et déchets. 

 

 

Nous vivons dans une époque d’excès. L’avarice est sans bornes. Je me limite à l’exposer, à essayer de faire en sorte que les gens ouvrent les yeux… Simplement je veux les confronter à leurs ruines. Je leur offre des souvenirs sans nostalgie. Leur véritable mission est d’offrir aux gens l’occasion d’observer les choses et de découvrir leurs multiples possibilités. Rauschenberg, 1986.

 

 

 

Mais le vrai du vrai collage, c'est bien sûr à Matisse qu'on le doit. Depuis 1914, il peint et colle de grandes découpes de gouache qui donneront naissance, notamment, aux vitraux de la chapelle de Vence. Son invention lui permet, selon ses propres termes, de « tailler à vif » dans la couleur.

 

 

Jiří Kolář (1914 - 2002) est un collagiste lui aussi (un nom prédestiné, ça ne s'invente pas !) mondialement connu, (poète, écrivain, peintre...). C'est lui le grand théoricien du collage, (il nous en fallait un !) auteur du Dictionnaire des Méthodes qui recense toutes ses techniques : en voici quelques unes : 

Le pas : petits bouts de papier imprimés uniformément (annuaire, journal, etc) mis bord-à-bord dans le désordre.

Le couciu : on colle de nombreuses couches de papier et on en arrache ou ponce certaines.

Le mage : on froisse la feuille avant de la coller. 

Le rollage : juxtaposition de deux images découpées en bandes régulières et intercalées. (Sa propre technique.)

 

  

Jiri Kolar. Bandelettes de papier (reproduction couleur) collées sur carton. 

 

Un autre "colleur" : Peter Blake, artiste anglais. Si, si, on le connait, tout le monde a eu une de ses oeuvres entre les mains sans le savoir. Rappelez-vous la pochette du disque des Beatles : Sgt Pepper... Ah ! Vous voyez que vous le connaissez !

 

 

Peter Blake – In Print.

 

Comme ça, pour le bonheur de mettre encore une vraie belle chose, j'ai pensé à ces magnifiques icônes venues de l'Est... Toutes sagement appliquées d'or, incrustées de pierres, ou recouvertes de métaux précieux... On me dira que cela n'a rien à voir, mais c'est bien un peu du collage non ?

 

   

Icône de l'Eglise orthodoxe russe et Icône de la Vierge de Kazan, recouverte de la riza métallique.

 

A l'atelier, nous avons utilisé la technique du collage comme support et intermédiaire entre une oeuvre technique et une abstraction construite. Parfois, nous avons trouvé que le collage était plus abouti que l'oeuvre abstraite qui en résultait, parfois non. A vous tous d'en juger.

Nos collages petit à petit.

Toutes les œuvres.

 

 

 

 Les premiers essais ont été un peu timides. Mais les limites ont finalement été repoussées.  

L'expression de la figure humaine est un monde à part entière. Mais tout se trouve à l'intérieur, il suffit d'aller voir.

L'audace et la liberté sont les outils idéaux pour parvenir à capturer et explorer un peu de ce monde que nous connaissons sans toujours le reconnaître.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Nul besoin de trop penser, d'essayer de contrôler, l'expression vient de l'intérieur où elle est née. Et l'éveiller est la chose la plus simple qui soit. Mais quelle est la figure qu'on réveille ? 

 

 

 

 

 

 

 

 C'est une porte qu'on ouvre. Puis qu'on laisse ouverte ensuite.

 

 

 

 

 

 

 

Le geste se libère, les bras s'ouvrent. Toutes les surprises sont possible. 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

  

 

 

 

 

 

 

 

Avec seulement du noir ou vers la couleur, de gestes en gestes, sans réfléchir, l'expression surgit, fascinante. A qui appartient-elle ?

 

 

 

 

 

 

 

 

Masques ou totem, du fond des âges, remontent des figures anciennes qu'on accueille et fait naître du bout des doigts, timides ou sauvages.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Le choix des outils importe peu, c'et l'inspiration et l'intuition qui guident les mains des artistes.

 

 

 

 

 

 

 

 

Grimaces et "gueules cassées" se présentent, surgissant du fin fond des nos mémoires et blessures collectives.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Et même si les figures offrent des visages de souffrance, de doute ou de tristesse, émotions qui traversent et passaient par là...

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

...Créer est encore un espace de joie, de plénitude et de sérénité. 

Toutes nos têtes.

 

Jérôme Bosch, Le portement de la croix avec Sainte Véronique.  (Détail). 1515-1516.

Peinture d'un drame : une scène gravée dans nos culture vue ici par l’œil d'un peintre qui ne recule devant rien : Expressions outrées, effrayantes, grimaces de cauchemar, le martyre du saint entouré de ses tortionnaires surgit des ténèbres serrant la douleur blanche et la sainteté de celle qui reste fidèle et détourne simplement la tête.

Peindre la vie, les émotions, les âmes, Bosch l'a fait mieux que personne par l'étude des visages auxquels il a donné une telle force qu'on en reste interdit.

 

Boilly. (1761 - 1845). Trente-cinq têtes d'expression. 

Donner à voir trente-cinq expressions de la figure humaine, c'est le pari de Boilly pour caricaturer son époque. Le travail est remarquable, d'une précision cruelle et sans concessions. Un travail d'orfèvre.  

 

Courbet. Le Désespéré. (Autoportrait.) 1843 - 1845

On peut aussi se croquer soi-même. Ici Courbet, qui n'en est pas à sa première audace, relève le défi d'un autoportrait hors norme. "Les yeux écarquillés, les narines dilatées, la bouche entrouverte, Gustave Courbet semble vouloir s'avancer en direction du spectateur, se rapprocher de lui, le prendre à témoin, l'attirer dans ses désespoirs." Michael Fried

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 Van Dongen. (1877 - 1968). La penseuse.

En art, l'expression traduit une époque et tend un miroir. Le peintre nous donne à voir ce qu'il regarde de son monde : mondaines maquillées un peu lasses de Van Dongen, cri muet de Munch, (un des tableaux les plus chers du monde symbolisant l'angoisse existentielle...) autant de représentations de la figure humaine qui auront profondément marqué leur temps.

 

 Munch. Le Cri.1893 - 1917.

La stylisation de l'art moderne n'enlève rien à la force de l'expression. Ici, Brancusi devient l'artiste de la profondeur des sentiments. 

  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 Brancusi. Muse endormie. 1909-1910.

Avec une économie de moyens stupéfiante, toute l’intériorité de la muse endormie est présente en quelques courbes seulement. A méditer...

 

Picasso. Tête de femme. 1907.

Picasso, quant à lui, traverse depuis toujours les strates de l'apparence pour ne livrer d'un portrait de femme que l'essentiel de ce qu'il a voulu en dire. On ne sait pas ce que le dame, elle, en aura pensé...

Basquiat. The heads of gold. 1982

Pour en terminer avec ce choix arbitraire de quelques œuvres de la figure humaine, un petit tour dans l'art de notre époque nous montrera, avec ce tableau de Basquiat, peintre à la personnalité si touchante, que l'art n'a rien perdu de sa force expressive.

Ici quelques mots présentant l’exposition Basquiat à Paris en 2011 : "Basquiat définit ainsi une contre-culture urbaine violente et anarchique pétrie de liberté et de vitalité. A sa mort à 27 ans Basquiat est un peintre célèbre. Il nous laisse une oeuvre considérable, d’environ mille peintures et deux mille dessins, autant de marques de son exceptionnelle énergie créatrice habitée par la mort, la rage et sa propre destinée." 

A l'atelier, nous avons poussé des limites et tenté l'expérience de l'expressivité. Après quelques difficiles essais, quelque chose a surgi.

Voir l'article : Expressions libres.

Toutes nos têtes.

 

Avant même que ne sonne le glas de la rentrée, nous avons commencé à travailler le paradoxe de la complémentarité. 

Tout à la lumière de cette fin d'été, naturellement, les dominantes ont accueilli la surprise.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Au cœur de la couleur, non révélée encore, attend patiemment une petite touche de subtile différence.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Pour approcher la magie des complémentaires, le mieux est d'y aller tout doucement au début.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Et même si l'amoureuse est encore timide, petit à petit, elle trouve sa place et ajoute à l'oeuvre la lumière qui lui manquait.

C'est comme ça dans la nature, le rouge velours d'une rose puise sa force de son écrin vert... et les deux se magnifient.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

(De nombreuses autres peintures attendent leur tour pour poser devant l’œil du photographe (qui n'a pas que ça à faire, je vous le dis !) bien sages sur leur chevalets, mais elles arrivent, patience...)

 

Les voici :